La sorpresa (en realidad la primera de ellas) llegó al leer el programa: junto a una primera parte íntegramente barroca nos plantamos en algo de Rossini en la segunda mitad (hasta aquí todo muy normal en relación a la idea que me hacía de esta mezzo), y nada más ni menos que música de Bizet, Offenbach, Strauss y Humperdinck. Todo un popurrí que constituye uno de los programas más inconexos y extraños a los que he podido asistir. Y para hacerlo aún más exótico,
OpusFive. Cinco músicos, como su propio nombre indica, convirtiéndolo todo en música de cámara. Raro, raro, raro... e irresistible.
La primera parte se abrió de forma correcta con el aria de Dejanira
“Where shall I fly?” del Hercules de
George Frideric Handel, al que regresaríamos luego con una más apasionada interpretación de
“Doppo la notte, atra e funesta” de esa maravilla que es
Ariodante, cuyo libreto, por cierto, estoy traduciendo. Y ahora
Bach: una de las curiosidades del programa ha sido la de intercalar varios fragmentos de
“El arte de la fuga” (Contrapunctus I, V y VII) por mucho que nada tuvieran que ver en ocasiones con el carácter de las piezas entre las que se insertaban (¡entre Strauss y Offenbach!). Quizás ello contribuyese a acentuar aún más el profundo carácter reflexivo (y me permito decir que casi místico) de esta música maravillosa. Larmore nos cantó el
“Erbarme dich”, ese momento de
“La Pasión según San Mateo” en el que al igual que a Jonathan Miller (véase
este vídeo) me suele costar contener las lágrimas. Para mí, que prefiero aquí a voces más “claras” (¿cómo expresarlo?) ganó la batalla el violín de Sebastian Hamann, aunque es cuestión de gustos.
Y con esto nos plantamos en la segunda parte. Alguien había instalado una mesita con mantel verde sobre el escenario durante el descanso. Sobre ella, una vela que encendió Larmore nada más sentarse a la mesa, y a la sola luz de esa llama y con el escenario completamente a oscuras cantó angelicalmente la oración nocturna del segundo acto del
Hansel y Gretel de
Humperdinck, esa ópera que tanto adoro y de la que hablé no hace mucho. Por extraño que se me hiciese, el escaso acompañamiento instrumental dotó aún de mayor intimismo a una escena en la que sólo nos faltó a Gretel para evitar que el dúo se convirtiese en aria. No me importó. A ello siguió, cuando apenas me había recuperado del éxtasis (porque por cursi que suene puedo hablar de éxtasis) un maravilloso
“Morgen!” (nº 4) de los
“Cuatro Lieder” de
Richard Strauss, que terminó en la que fue la primera gran ovación de la noche. Ovación que se repitió, como era de esperar, tras le célebre
“Barcarola” de
“Los cuentos de Hoffmann” de
Offenbach, a la que antecedió el Contrapunctus VIII de Bach. No es que la primera parte fuera inferior, sino que el público aplaude siempre con más entusiasmo aquello que es popular y conoce.
Cuando llegó el momento de la
“Chanson Bohémienne” de la
“Carmen” de
Bizet los músicos se retiraron del escenario y el contrabajo Davide Vittone se dirigió al público. Inmediatamente pensé en un cambio de programa, especialmente porque no me cuadraba demasiado eso de Jennifer Larmore como Carmen (no obstante, sé que hay grabación con Sinopoli). Pero no: lo que dijo aquél simpático italiano era que los músicos estaban muy cansados y que pensaban beber algo en la taberna de Lillas Pastia. Y entre las risas incontenibles del público empezó a desmadrarse el espectáculo, de forma deliberadísima. Los músicos entraron bebiendo tambaleantes, y fingiéndose ebrios se intercambiaron gritos de “¡Borracho!” y alabanzas al Rioja. Luego, empezados ya los primeros compases, apareció Larmore provocando a la sección masculina, lo que por cierto se le da muy bien. Y al margen incluso de la divertida y encantadora escenificación (y aquí, como en la pasada
Turandot, vuelvo a discrepar del inconformismo de Moreno Mengíbar en
Diario de Sevilla) quedé pasmado de nuevo con esta mujer. ¡Vaya Carmen! Sólo decir que aquello fue absolutamente fabuloso: una versión fogosa (porque Carmen lo es), oscura (porque Carmen lo es) y despreocupada (porque Carmen lo es). Me tragué muy felizmente mis prejuicios estúpidos. Con esa voz y ese físico no hay Don José que lamente hacerse desertor.
La recta final fue puramente rossiniana. Del
“Recalling Rossini” (“Recordando a Rossini”) de Domenico Torta, un popurrí instrumental a partir de óperas de
Rossini, me quedo con la acertada instrumentación del
“Una voce poco fa”. Finalmente, Larmore reapareció para cerrar el programa con el final de
“La Cenerentola” (“Non più mesta accanto al fuoco”). Aplausos a rabiar y público en pie. Los del Maestranza fueron buenos y entregaron flores a todos (a la diva, como era de esperar, un ramo grande) y los aplausos se convirtieron en palmas por sevillanas. El bis fue el simpático
“Art is calling for me” (“I want to be a primadonna”) de Victor Herbert y Harry B. Smith, cuyo texto puede localizarse
aquí. Transcurrió plagado de los cómicos gestos grandilocuentes de diva de Jennifer Larmore, quien además bromeaba con los otros músicos. Al terminar, la reacción del público volvió a ser la misma, y después de mucho hacerse de rogar optó por cantar en español el
“Con el vito viene” (una canción a la que por razones de mi infancia tengo enorme cariño). El año pasado le ocurrió algo parecido nada menos a otro peso pesado como Anne Sofie von Otter, que agotó los bises preparados y gritando “¡Gracias!” al público tuvo que “improvisar” el
“Bist du bei mir” de Bach con Lars Ulrik Mortensen al clave. Larmore seguía en todo lo suyo, gesticulando cómicamente con los brazos para indicar la irrupción del conjunto antes de cantar, terminado lo cual todos salieron a tropel para evitar que el público insistiese en otro bis. Nunca he visto una salida más precipitada de un escenario. Si la Jenny llega a tropezar habrían rodado los seis por el suelo.
Pues lo dicho: espectacular Larmore (adorablemente payasa en el escenario) y bastante dignos los de OpusFive (Sebastian Hamann y Mirian Müller fueron los violines, Lisa Weiss la viola, Stephanie Meyer el violonchelo y Davide Vittone el contrabajo) cumpliendo en su labor de acompañar a Larmore, que para eso es quien tenía que brillar, y ofreciendo además la curiosísima posibilidad de escuchar de forma tan reduccionista obras de gran exhuberancia orquestal como
“Hansel y Gretel” o
“Carmen”.
Una noche extraña, con toques incluso de surrealismo y absolutamente deliciosa.
Nunca he sido muy fan de Barbara Hendricks, pero ayer asistí a su recital en el Teatro de la Maestranza, dispuesto a no desaprovechar la oportunidad de escuchar en vivo a una soprano de gran fama. La encontré mayor de lo que esperaba, y no sólo en el plano físico, sino en el vocal, en el que su emisión se hace ahora cuestionable por un vibrato en ocasiones exagerado –obvio signo de desgaste– y por una casi nula agilidad en pasajes que tampoco resultan demasiado exigentes en este ámbito. Pero hizo un recital que podríamos describir como “bonito” o incluso “muy bonito” del que salí satisfecho, porque precisamente, como digo, mis expectativas no eran altas. Acompañó al piano Ariane Jacob, muy sensible y atenta, pero aunque no tenga nada absolutamente que ver, después de lo que le escuché anteayer a Figuereido... Al margen del programa, que reproduzco abajo, se ofrecieron tres vises: Les filles de Cadix (desde que vi esta maravillosa mamarrachada de mi admirada Petibon siempre me acuerdo de la araña), el Ave Maria de Schubert y una canción, hermosamente cantada, titulada algo así como It is that?
Ayer, apenas repuesto de la muy favorable impresión causada por Las bodas de Fígaro del Maestranza, tuve la oportunidad de cumplir uno de esos sueños que cada vez se antojan más irrealizables para los melómanos jóvenes: asistir a un recital de una leyenda en vida de la ópera como lo es la gran Montserrat Caballé. Naturalmente, uno sabe a lo que va y no puede pretender que la soprano catalana esté como para cantar Toscas. Se trataba, al menos para mí, ni más ni menos que de ver y oír al mito en directo, de poder decir “yo la escuché cantando a apenas unos metros delante mía”. La actuación fue una gala lírica solidaria en beneficio de la asociación Nuevo Futuro, presidida por la Duquesa de Alba. Allí estaba esta última, sentada en el centro del teatro junto con el que el miércoles será su nuevo esposo y el alcalde de la ciudad. Su presencia arrastró al Maestranza un número considerable de personajes más o menos famosos a los que uno jamás ve en ningún espectáculo musical de la ciudad, y mira que yo voy a muchos. Pero había cámaras y fotógrafos, claro, y eso da glamour. De hecho, nunca he visto tanta prensa en el Maestranza. Los fotógrafos se situaron inicialmente frente al escenario, delante de los asientos centrales del patio de butacas, hasta que el personal del teatro les indicó que se dispusieran a derecha e izquierda del patio. Ya comenzado el recital, el ruido de las cámaras fue tan molesto que alguien se quejó y la prensa desapareció después de que un miembro del personal del teatro conversara sospechosamente con ellos. Lo mismo sucedió en el otro extremo del patio: una amiga sentada allí me comentó que también hubo queja, conversación y desaparición. Comprendo que la prensa hace su trabajo, pero también puede hacerse en armonía con el trabajo de los artistas que están sobre el escenario y con el respeto a un público que ha pagado para escuchar música en vez del ruido de las cámaras fotográficas. Su presencia no me hubiera incomodado de haber hecho fotos durante los aplausos, que fueron muchos.
Al igual que el año pasado, anoche pude asistir al concierto de fin de curso de la Universidad de Sevilla en el Teatro de la Maestranza, cuyos principales protagonistas fueron esta vez la soprano Ainhoa Arteta, a la que pudimos ver hace unos meses en La Bohème, y el barítono Ángel Ódena, que acaba de terminar las funciones del Don Carlo.
Esperaba con cierta impaciencia el recital de la gran Mariella Devia en el Teatro de la Maestranza de Sevilla, sobre todo después de que el mismo, que debió haberse celebrado en marzo, se aplazase hasta el día de ayer, 30 de abril. Tratándose de Devia, cualquier espera vale la pena, pero lo cierto es que una vez sentado en mi asiento llegué a temerme lo peor. Sonaron por megafonía las típicas palabras: “la cantante se encuentra indispuesta por un proceso viral, pero por respeto al público saldrá al escenario”. Dicho de otro modo, es un llamamiento al público que dice “no seáis exigentes”, algo que resultó de todo punto innecesario en el caso de Devia. Los malignos efectos de su enfermedad no se dejaron ver en toda la noche, sino todo lo contrario: a lo que asistimos fue a un verdadero alarde de buen gusto, de técnica, control y dominio de la voz, de fraseo. De belcanto. Cierto es que me pareció que empezaba algo fría en el Chopin que abría el concierto (más abajo copio el programa completo), sobre todo en los ataques, si bien transcurridos los primeros segundos (no minutos) la cosa se convirtió en lo que todos esperábamos. Hubo un incidente instantes antes del término de la primera parte. Un señor del público se sintió indispuesto y se llamó a voces a un médico, lo que hizo que Devia interrumpiese al momento su canto. Como me encontraba muy cerca del escenario (sólo en la sexta fila del patio) pude ver perfectamente su gesto de extrañeza.
Escuché por primera vez a Jennifer Larmore en el célebre Giulio Cesare de René Jacobs, que a pesar de los años transcurridos sigue siendo mi grabación de referencia. Después de asistir a su actuación en el Maestranza el pasado día 30 de mayo pienso que esta mujer debe haber hecho un pacto con el diablo para que el tiempo no pase por ella. La voz sigue siendo la misma, ágil y al mismo tiempo consistente y poderosa, andrógina a veces (y por tanto muy apta para los roles de castrato) y femenina y coqueta cuando quiere. Físicamente está estupenda, probablemente mejor que nunca. Verla es un espectáculo, y admito que cuando encaminé mis pasos hacia el teatro no podía hacerme una idea de lo que me aguardaba en ningún sentido.
