Fidelio (Harnoncourt, 2004) - DVD

Nikolaus Harnoncourt (dir.); Camilla Nylund (Leonore); Jonas Kaufmann (Florestan); Alfred Muff (Pizarro); László Polgár (Rocco); Elizabeth Rae Magnuson (Marzelline); Christoph Strehl (Jaquino); Günther Groissböck (Don Fernando). Coro y Orquesta de la Opernhaus Zürich. TDK DVD

Para despedir el año en el blog vamos a comentar una grabación de altura del Fidelio beethoveniano en DVD: la dirigida por Harnoncourt en la Ópera de Zurich el 15 de febrero de 2004 y editada originariamente en DVD por TDK (ahora reeditada por Arthaus). Es para mí una versión realmente recomendable, con un reparto que con una sola excepción de la que hablaré enseguida se mantiene a un estupendo nivel aun sin integrarse siempre de voces bien conocidas.

Para empezar, hablaré primeramente de todo lo relacionado con la puesta en escena, para pasar después a las cuestiones musicales, que son las que considero más importantes. La escenografía de Rolf Glittenberg (dirección escénica de Jürgen Flimm) se mantiene dentro de los cánones del clasicismo en lo que concierne al vestuario, pero en el diseño del escenario apuesta por la austeridad salpicada de algún toque moderno casi abstracto (la gran viga en el suelo, el cubo transparente al que salen a pasear los presos de Pizarro, la piedra que deben mover Rocco y Leonore y otros detalles). Con ello se consigue un resultado visualmente atractivo en el que lo clásico se presenta de modo moderno y sin resultar, por tanto, apolillado ni acartonado. También puede enfocarse, si se prefiere, desde el punto de vista contrario, y decir que es un montaje moderno que rehúsa abandonar una cierta apariencia de clasicismo. Tanto da.

El vestuario de Marianne Glittenberg está trabajado de tal modo que no busca deslumbrar al espectador, pero sí jugar con su psicología. Jaquino viste colores apagados y su apariencia contrasta con el aspecto más arreglado de Leonore / Fidelio, de modo que como público tenemos más fácil ponernos en la piel de Marzelline y comprender hasta cierto punto sus decisiones amorosas. El malvado Don Pizarro, por su parte, viste por completo de negro (nada menos que un traje de cuero que le hace sudar la gota gorda y parecer una morcilla), mientras que Don Fernando lo hace de modo mucho más vistoso, evidenciando del modo más primario –a través de la vista– la separación entre bien y mal, luz y tinieblas. También Florestán, a pesar de su aspecto pordiosero, viste una chaqueta dorada, vestigio de su pasado brillante y del mundo al que realmente pertenece, aun estando preso. Otro aspecto bien resuelto es el de la iluminación, que resulta algo oscura en una ópera cuya acción discurre en buena medida en calabozos.

En cuanto al reparto, resulta casi íntegramente bueno, comenzando por la notablemente bien resuelta Leonore de Camilla Nylund y por el espléndido Florestan de Jonas Kaufmann. He escrito varias veces por este blog que este tenor alemán provoca en mí sensaciones encontradas, y afortunadamente en esta filmación le encuentro espléndido. En lo que concierne a su habitual vicio de echarse la voz atrás, hay que decir que tampoco aquí su emisión termina de ser la más natural del mundo, pero el defecto (porque para mí se trata de eso, un defecto) resulta más contenido que otras veces. El Florestan de Kaufmann es un ser lleno de vulnerabilidad y sensibilidad –que no sensiblería– y aunque haya quien pueda llevarse las manos a la cabeza por esto, para mí se sitúa a mayor altura que Vickers en la aclamada grabación de Klemperer, en la medida en la que el alemán vocea menos y resulta más rico en musicalidad y matices.

Lo que no funciona es el Pizarro de Alfred Muff, quien además de resultar bastante áspero carece de una voz atractiva en términos de belleza. El personaje, por tanto, queda estropeado. Y no me vale aquí la típica contra-argumentación, tan usada por ejemplo con Scarpia, de que el malo no requiere de una voz bonita, pues ha de repeler al público. Para mí, la brutalidad, la violencia del personaje, es algo que debe saber expresar el cantante a nivel interpretativo (¿no es la ópera una unión de música y teatro?), lo cual en absoluto debe estar reñido con tener una voz que haga honor a la partitura. Quizá no se le pueda pedir a Muff más de lo que hace, pero está para mí lejos de situarse cerca del resto del reparto en materia de calidad vocal.

Sí que está espléndido László Polgár como Rocco, papel que había grabado previamente en estudio con Harnoncourt. Su aria del oro es de los mejores momentos de toda la filmación. En su voz profunda, además de contar con un bellísimo color, no hay un ápice de engolamiento ni ningún vicio vocal que al menos resulte evidente. Polgár fue un cantante sensible por el que siento aprecio, y que resulta especialmente adecuado en este tipo de repertorio. En el italiano quizá no le vea tan satisfactorio, aunque realmente me cuesta expresar la razón (¿será quizá una ausencia de eso que algunos llaman “italianidad”?). Sea como fuere, es un espléndido Rocco por parte de un notable bajo que se nos fue demasiado pronto.

Cerrando el reparto, la pareja Marzelline-Jaquino, encarnada aquí por Elizabeth Rae Magnuson y Christoph Strehl mantiene el buen nivel medio del reparto. Ella defiende sin problemas su parte y compagina adecuadamente la mezcla de desdén que siente su papel hacia Jaquino con un adecuado toque de picardía y candidez. Él no tiene una gran voz de tenor, pero hace su parte sin dificultad. Correcto, por último, el Don Fernando de Günther Groissböck.

En cuanto a la orquesta, Nikolaus Harnoncourt dirige aquí con su habitual rusticidad y a veces con una clara tendencia a los tempi rápidos heredera de su formación historicista, por mucho que la orquesta no se componga de instrumentos originales. Este Beethoven de Harnoncourt está algo despojado del “peso” que la tradición germánica impone tradicionalmente a la orquesta, pero es sin embargo incuestionablemente brioso y está lleno de personalidad. Siempre he considerado que Harnoncourt es un director con el que hay que tener cuidado, pues en mi opinión es extremadamente desigual: es capaz de hacer cosas de un gran nivel y seguidamente otras sobre las que es mejor pasar de largo. Pero Fidelio funciona bien bajo la dirección de este hombre.

En conclusión, puesta en escena efectiva y bastante buen nivel musical, salvo en lo que concierne al personaje de Pizarro. Recomendable.

Die Zauberflöte (Östman, 1989) – DVD

Arnold Östman (dir.); Stephan Dahlberg (Tamino); Ann Christine Biel (Pamina); László Polgár (Sarastro); Birgit Louise Frandsen (Reina de la Noche); Mikael Samuelson (Papageno); Birgitta Larsson (Papagena); Magnus Khyle (Monostatos), Petteri Salomaa (Orador); Anita Soldh / Linnéa Sallay / Inger Blom (Tres Damas); Elisabeth Berg / Ann Christine Larsson / Anna Tomson (Tres muchachos). Coro y Orquesta del Teatro de la Corte de Drottningholm. ARTHAUS DVD.

Ya he escrito un par de veces en este blog acerca del Mozart de Arnold Östman. El DVD que comento hoy es probablemente mi filmación favorita de las que registró en el Teatro de la Corte de Drottningholm entre los años ochenta y primeros noventa del pasado siglo.

Östman fue un pionero en llevar los instrumentos originales a las óperas de Mozart, y lo hizo en un teatro de la época del compositor que se mantiene intacto tal y como era en el siglo XVIII, con todos sus mecanismos de tramoya originales. Lo cierto es que globalmente Östman me parece un director bastante irregular. En líneas generales adolece de dirigir de forma un tanto mecánica y plana, y desde luego su punto flaco lo constituyen los fragmentos en los que debe expresar con su orquesta un especial patetismo o intensidad dramática. Como virtudes, que las tiene, su Mozart es luminoso y vivaz, y especialmente en lo que concierne a la ópera cómica sabe dirigir con pulso y sentido del humor. La orquesta, además, es de calidad, aunque la acidez de la cuerda es probablemente incluso superior a la de la Academy of Ancient Music de Hogwood. Manténgase lejos aquellos a los que les disguste esto.

Mi impresión es la de que Östman es un director poco uniforme. Sabe recrearse en la belleza sonora y mostrarse chispeante cuando es necesario, tirando siempre de tempi tan acelerados que incluso a los más historicistas de hoy podrían llegar a rechinarles. En contrapartida, y por expresarlo de manera sencilla, es poco comunicativo a nivel emocional. O a mí me lo parece. 

En esta Flauta mágica, registrada unos años antes que su grabación en estudio con diferente reparto, el controvertido director está en general en estado de gracia. De hecho, esta ópera es sin duda de las que mejor han sonado bajo su batuta. Utiliza, como es de esperar, tempi rapidísimos, especialmente en las dos arias de la Reina de la Noche. Durante la primera sección de O zittre nicht la orquesta suena plana, sin transmitir en absoluto el patetismo que requiere la presentación de la mentirosa Reina ante Tamino. Esta escena es para mí claramente la más endeble orquestalmente de una lectura que en términos generales es muy disfrutable. Eso sí, sigo pensando que es una chorrada importante eso de ponerle casaca y peluca a los miembros de la orquesta. Cuando uno los ve en la obertura es inevitable pensar que estamos ante uno de esos espectáculos mozartianos para turistas que se hacen en Centroeuropa con vestidos de época, impresión que no hace justicia a lo que es la función en sí misma.

En cuanto a la puesta en escena de Göran Järvefelt, hay que decir que todo lo que vemos era posible en la fecha de la composición de la obra. El espacio escénico es muy reducido (es un teatro de pequeñas dimensiones) y lo vistoso no se consigue mediante decorados ampulosos, sino a través de los curiosos efectos de tramoya y cambios de decorados. Cada vez que se cambian los paneles se escucha ruido, pero hay que pensar que así eran las representaciones de ópera con las que Mozart estaba familiarizado, y lo cierto es que la cosa tiene en general mucha gracia. He aquí un vídeo que recuerdo haber puesto ya en otra entrada de este blog y que ilustra muy bien lo que ofrece visualmente este teatro:

La dirección escénica, a pesar de las obvias limitaciones de espacio, consigue momentos muy conseguidos en los números de conjunto, con frecuentes gestos de los cantantes ad spectatores, que en nuestro caso están dirigidos a la cámara. 

En suma, tenemos aquí a una Flauta mágica idónea para aquellos que tengan curiosidad por ver cómo se hacía escénicamente una ópera en el tiempo de Mozart, y con un director de orquesta que aun teniendo una trayectoria irregular, nos da aquí probablemente la mejor versión de sí mismo.

En cuanto al reparto, como ocurre habitualmente con estas grabaciones de Drottningholm, este se nutre principalmente de cantantes suecos jóvenes y nada conocidos, que sin embargo cuadran bien con sus papeles. Stephan Dahlberg, que canta el Tamino, no posee la voz de tenor más cálida ni la más agradable al oído, pero consigue hacer de príncipe iniciado con mucha dignidad. Digamos que defiende con solvencia su parte, aun sin ser el Tamino ideal. Ann Christine Biel, por su parte, canta una Pamina que gustará más a los que estén familiarizados con las voces que se escuchan hoy frecuentemente en las grabaciones historicistas de las óperas del barroco que a aquellos otros que prefieran la tradición de un Mozart más “romantizado”. Dicho de otro modo, canta sin un ápice de vibrato, aunque en general no se le pueden poner demasiadas pegas a su intervención, más allá de una cierta y también relativa frialdad.

El punto fuerte del reparto es para mí el magistral Sarastro de László Polgár. Afirmo sin rubor alguno que está a la altura de lo mejor de la discografía, tanto por la calidad indiscutible del material vocal como por la credibilidad interpretativa del complicado personaje al que defiende. Su voz de bajo muestra aquí un timbre bellísimo y uniforme, sin entubamientos ni cambios de color en los terriblemente exigentes descensos al grave que exige el papel. Además, es el suyo un Sarastro humanísimo, muy lejos de aquellos otros intérpretes que conciben al sabio sacerdote como si fuera una especie de autómata inexpresivo. Lo dicho: un Sarastro redondo, que ya de por sí justifica el visionado de esta película. La lástima es que Östman no contara con Polgár para la posterior grabación en estudio. Es perfecto.

No puedo decir lo mismo, en cambio, de la Reina de la Noche de una apuradísima Birgit Louise Frandsen. Al margen de que la voz no da para mucho en un papel que exige cierta habilidad para la coloratura, debe plegarse a los aceleradísimos tempi de Östman en Der Hölle Rache, sin que el resultado sea convincente. Eso sí, todas esas prisas de la orquesta sirven para que los famosísimos fragmentos de coloratura de esa aria se asemejen a una especie de risa histérica y demoníaca. ¿Tenía Mozart esa intención al escribir? Tal vez. Desde luego es curioso. En el O zittre nicht, en cambio, el director ralentiza bastante toda la sección final si la comparamos con su propio registro en estudio (este último con Sumi Jo como Reina), sin duda para facilitar el trabajo de una cantante que aun así parece dar la impresión de verse sometida a todo un reto. Le doy el aprobado y nada más.

Mikael Samuelson tiene una voz fea, aunque desde el punto de vista visual es un Papageno idóneo, al que acompaña la histriónica Papagena de Birgitta Larsson. En cuanto a Monostatos, Magnus Khyle lo canta con una modesta voz a la que a veces incluso tapa la exigua orquesta. Sí que es muy bueno el Orador de Petteri Salomaa, y de hecho, creo que su escena con Tamino en el primer acto es uno de los puntos fuertes de toda la filmación. También funcionan espléndidamente las Damas y los Muchachos. Estos últimos pocas veces pueden resultar más encantadores que aquí.

Para cerrar la entrada, hay que decir que la calidad de imagen es modesta, más o menos como la de un VHS, aunque se ve bien. Precisamente creo que esta apariencia “antigua” da algo de encanto a la filmación.

Resumiendo, estamos ante un espectáculo que vocalmente ofrece un nivel medio –con excepción del sobresaliente Sarastro de Polgár– que resulta válido para producir un resultado disfrutable. Complementado el reparto con la eficaz dirección de la orquesta historicista y con lo curioso que resulta todo visualmente, el conjunto queda francamente muy bien. A mí me encanta esta Flauta.

Homenaje a las grandes voces

2010 está siendo un año triste para los aficionados a la ópera. A las recientes pérdidas de buenos cantantes como Lázló Polgár o Philip Langridge hay que añadir también nombres de gran importancia como los de Giulietta Simionato, Hildegard Behrens o Giuseppe Taddei, que son mi Salomé y mi Scarpia de referencia, respectivamente. Y ahora se nos va una de las más grandes: Joan Sutherland, la stupenda. Una verdadera leyenda del repertorio belcantista. Fue, o mejor dicho, es Lucia di Lammermoor. También, y pese a las objeciones que algunos puedan ponerle, es mi Turandot de referencia junto con Nilsson. Supongo que es una irremediable cuestión de edad lo que explica que en el momento presente estemos perdiendo a aquéllas voces que deslumbraron en la ópera en las décadas pasadas. Me refiero, claro está, a los cantantes que podemos llamar “clásicos”, y con cuyos discos hemos crecido. Por eso mismo dudo que yo sea el único aficionado del mundo que viva últimamente con la sensación de recibir golpe tras golpe.



Pero además de Sutherland quiero destacar también otras dos pérdidas recientes que me han encogido el ánimo y que también merecen aquí su particular homenaje. El primero de ellos es el gran Cesare Siepi, mi primer Don Giovanni en aquélla película de Furtwängler que mis padres me regalaron en vídeo hace ya muchas navidades. Es posible, incluso, que siga siendo mi Don Giovanni de referencia, aunque nunca me lo he planteado en serio, y ello pese a que mi inclinación por el historicismo en las interpretaciones juega en su contra. Como Felipe II no tenía rival, Ghiaurov aparte, claro.




Por último, y perteneciente a un ámbito distinto como es el de la música barroca, no puede olvidársenos el nombre de Anthony Rolfe Johnson, que sin duda firmó las grabaciones historicistas más bellas con voz de tenor en óperas como el Orfeo monteverdiano o La clemenza di Tito e Idomeneo, de Mozart, por no hablar de su Handel y su Bach.



Nos han hecho felices, y estoy seguro de que lo seguirán haciendo. ¿Puede alguien hacer algo más bello con su vida? Justo es que los aficionados les digamos GRACIAS.