… y de nuevo “El cascanueces”

El pasado domingo acudí a la tradicional cita invernal de los sevillanos con el ballet clásico en el Teatro de la Maestranza. En esta ocasión tocaba “El cascanueces”, que vimos por última vez en 2009 en una peculiar y muy vistosa versión que incorporaba a la historia original el Cuento de Navidad de Dickens, a cargo del Ballet de la Ópera de Düsseldorf. Aunque en realidad miento: esas

Malikian + Corella

El pasado día 13 tuve la oportunidad de asistir por primera vez a un concierto de Ara Malikian. Se trataba de un espectáculo de música y danza , acogido por el teatro de la Maestranza, en el que el violinista libanés compartía protagonismo con bailarín Ángel Corella.

(“A+A”)

Acudió Malikian con su recientemente fundada Orquesta del Tejado, que realmente es un grupo de cámara integrado por seis miembros, incluido él mismo. Bueno, pues si bien es cierto que todo lo concerniente a Corella gustó enormemente al público, lo de este conjunto de cuerdas directamente le fascinó. Para él fueron los aplausos más fuertes en una noche en la que la música pareció resultar vencedora sobre la danza. Lógicamente, la archiconocida puesta

Los cisnes vuelven a Sevilla

Fotografía: http://www.abcdesevilla.es/

Ayer por la tarde pude asistir a la última de las representaciones de El lago de los cisnes en el Teatro de la Maestranza con el Ballet Nacional de Kiev. Este ha sido el tercer ballet clásico del que hemos podido disfrutar los espectadores del Maestranza en la presente temporada (hace poco que el Ballet Nacional de Cuba interpretó aquí Giselle y Coppélia en homenaje a Alicia Alonso) aunque el único en el que hemos contado con la presencia de la ROSS en el foso.

Como siempre me ocurre con la danza, he disfrutado. No ser un entendido en materia de ballet tiene como vertiente positiva el que el sentido crítico es menor, y lo que vi ayer me pareció un bellísimo e irreprochable espectáculo de baile, merced a la muy clásica coreografía de Marius Petipa y Lev Ivanov, a un brillante cuerpo de baile –sensacional en el segundo cuadro del primer acto– y a una pareja protagonista que derrochó sensibilidad y elegancia (Natalia Lazebnikova y Andrei Gura, que se han alternado estos días con Tatiana Goliakova y Serguei Sidorsky). Ayer se optó por la versión con final feliz y se condensaron, por alguna razón, los actos primero y segundo en uno solo (cuando hablo, por tanto, del segundo cuadro del acto primero me estoy refiriendo a lo que habitualmente es el famoso acto segundo). Con todo, el recuerdo de la representaciones que hizo de esta misma obra el Ballet de Stuttgart en diciembre de 2007 aún no está demasiado lejano, y o mucho me traicionan mis recuerdos o aquella escenografía de Jürgen Rose era bastante más vistosa que la que pudimos ver ayer de Yevgeny Lysyk, sobre todo en lo concerniente a las escenas palaciegas. En realidad, a nivel de decorados la propuesta de Kiev opta por una austeridad casi total, sin prácticamente cambios escénicos, de modo que ayer fueron realmente el cuerpo de baile y la iluminación los que crearon las atmósferas y ambientes.

Los ucranianos trajeron a su propio director de orquesta, Mykola Diadiura, que solo alcanzó un resultado irregular al frente de la ROSS. El primer acto sonó plúmbeo, con una obvia tendencia a la lentitud y despojado de cualquier tensión dramática. Servidor tuvo la sensación inmediata de que el director ha trabajado la obra más centrado en ponérselo fácil a quienes están sobre el escenario que en decir algo con la música. En suma, un metrónomo humano poco preocupado en transmitir. Mejoró la cosa a partir del segundo cuadro del primer acto y sobre todo en el segundo, aunque en mi opinión sólo en el breve tercer acto consiguió dirigir con pulso dramático.

Coppélia cubana

Anoche se repitió en el Teatro de la Maestranza una espléndida noche de danza clásica con el Ballet Nacional de Cuba. Si hace unos días se ofrecía Giselle, ayer le tocó el turno a la más cómica y familiar Coppélia. Uno de los aspectos más notables de la danza, al menos en Sevilla, es que atrae a familias al completo, y es mucho mayor el número de niños asistentes que los que acuden a la ópera o a otros espectáculos. He percibido esto ya en varias ocasiones, y ayer ocurrió nuevamente.

A nivel escénico, esta Coppélia iba en la misma tónica de Giselle: decorados simples y con ninguna pretensión realista, aunque en este caso fueron obviamente de mayor colorido, casi de función escolar (dicho esto sin ningún sentido negativo). Viengsay Valdés fue una Swanilda llena de gracia y picardía, absolutamente adecuada para el papel, y Victor Estévez (Franz) se ganó con creces los grandes aplausos del público merced a auténticas acrobacias que a mí, bastante profano en lo que a materia de danza se refiere, me parecen admirables. Muy simpático el Coppélius de Féliz Rodríguez, que deambuló todo el tiempo por el escenario a paso corto y rápido, como si de un insecto se tratara. Sensacional también el cuerpo de baile, que encontró su momento de especial lucimiento en el tercer acto, en el que se dibujaron en el escenario las estampas más hermosas de la noche.

Gran aplauso del público al término de la función y ovación en pie al salir a saludar Alicia Alonso, ataviada con el mismo vestido azul brillante de la noche de Giselle.

Como en Giselle, la única forma de mejorar el espectáculo de anoche hubiera sido contando con la presencia de la ROSS en el foso, en lugar de tener que acudir a la música grabada.

Alicia Alonso, homenajeada con “Giselle” en Sevilla

Imagen: http://www.diariodesevilla.es/

Ayer acudí por primera vez esta temporada al Teatro de la Maestranza para ver un título tan emblemático de la danza clásica como Giselle. Lo cierto es que esta obra ya se programó la pasada temporada (véase esto), y la razón de la repetición está en el hecho de que justo ayer se cumplía el 70 aniversario del debut de Alicia Alonso en el papel. El Maestranza recibió anoche al Ballet Nacional de Cuba, nacido inicialmente como ballet Alicia Alonso, para homenajear así a la emblemática fundadora y referencial intérprete de Giselle.

No hubo orquesta en el foso, sino que la música se ofreció enlatada, y de ahí el hecho de que nada pueda decir musicalmente de la velada. En lo visual resultó espléndida. Justo antes de que se apagaran las luces, con el teatro lleno al completo, aparece entre el público una señora de aspecto frágil y que a pesar de sus obvias dificultades de movilidad saluda con gráciles movimientos de brazos. Es Alicia Alonso, vestida con un traje azul de lentejuelas y con un turbante en su cabeza del mismo color. La ovación de los asistentes a esta leyenda de 92 años es atronadora, y se repetiría al término de la representación, cuando apareció para saludar en el escenario. Justo antes de que se levantara el telón se proyectó una breve película con imágenes suyas bailando Giselle y con sus declaraciones a propósito del papel.

En cuanto a la función en sí misma, clasicismo a raudales. Los decorados ofrecen justamente lo adecuado sin resultar ampulosos ni especialmente realistas, y a nivel dancístico –campo en el que no soy ningún experto– todo funcionó, a mi entender, espléndidamente. Destaca lo sensible del retrato que hace Anette Delgado de la desdichada protagonista: sólo a base de gestos vemos a la muchacha alegre y despreocupada, a la chica frágil y enferma, a la mujer torturada hasta la locura... El elegante Albrecht de Dani Hernández, de principescos gestos, contrastaba bien con el espléndido Hilarión de Ernesto Díaz, más fuerte y rudo si se quiere, como debe ser el personaje, y estupendamente bailado.

En cuanto al cuerpo de baile, todo el segundo acto me resultó especialmente destacable, y destacaría quizá el modo en el que Hilarión sucumbe a las willis, a las que vemos como un grupo fantasmal perfectamente acompasado y que actúa macabramente de forma mecánica, como si se tratase de algo sobrenatural “programado” para hacer daño y quizá incluso carente de voluntad propia.

Gran noche de baile, por tanto, y estupendo homenaje a Alicia Alonso. Sólo la presencia de la ROSS en el foso lo hubiera mejorado.

“Romeo y Julieta” bailan en Sevilla

Ayer acudí al Teatro de la Maestranza de Sevilla para presenciar la primera de las dos funciones (la segunda es hoy) que se ofrecen del Romeo y Julieta de Sergei Prokofiev con la Compañía Nacional de Danza. Hace tres años que pudo verse en Sevilla una brillante Cenicienta de Prokofiev de la que escribí aquí, y tras leer en su día la crítica de Ya nos queda un día menos a propósito de las recientes representaciones de este Romeo y Julieta en el Teatro Real, iba con las expectativas bien altas de encontrarme con un gran espectáculo visual. Y vaya si me lo encontré.

Por desgracia, mi entusiasmo por el espectáculo en lo que concierne al baile no lo fue tanto en lo que afecta a la música. No hubo orquesta en el foso y se acudió a la música enlatada, recortándose, como en Madrid, parte de la partitura de Prokofiev. Así que nada puedo decir sobre el apartado musical, puesto que todo consistió en una grabación.

En cuanto al trabajo de la CND, debo aclarar que soy cualquier cosa menos un experto. Pero disfruté muchísimo de la brillante coreografía de Goyo Montero. Se trata de un espectáculo de danza contemporánea que compagina números de conjunto absolutamente espectaculares –por ejemplo, la sensacional y violentísima lucha, con un sensacional uso de los focos de luz, o la famosa escena del baile de los caballeros– con otros de enorme intimismo –escena final con las muertes de los amantes– todo ello arropado de una musicalidad apabullante. No hay un gesto de un bailarín, por pequeño que resulte, que no esté cargado de intención y sentido con la música que suena al momento. Hay muchísimo, muchísimo trabajo y esfuerzo detrás de un espectáculo como el que vi anoche.

No menos destacables me parecieron los bailarines principales: el Romeo de Aleix Mañé y la maravillosa Julieta de Marina Jiménez, agilísima y llena de gracia por momentos y profundamente dramática al final. Y nada por debajo se queda el muy sólido Mercucio de Javier Monzón. En cualquier caso, la gran apuesta de Montero es la presencia de Mab permanentemente en el escenario, encarnando los conceptos clave (tiempo, muerte, etc.) que dominan a los personajes. Allan Falieri estuvo sensacional por agilidad y presencia física. En suma, un espectáculo de danza de primerísimo nivel.

El teatro estuvo bastante lleno, aunque no al cien por cien. Podría cerrar esta pequeña crónica exactamente igual que la de Fernando (click aquí): lo que he visto ha sido espléndido, pero me quedo con las ganas de verlo con una orquesta bien dirigida en el foso.

De fantasmas bailarines

Cada año por estas fechas, el Teatro de la Maestranza nos deleita a los sevillanos con una propuesta de ballet clásico con la presencia de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla en el foso. Hace ya varios años que acudo siempre a esta cita, y he de decir que gracias a ella he descubierto un mundo, el del ballet, que me parece espectacular. Al igual que ocurre con la ópera, también el ballet compagina el arte musical con el escénico, con la diferencia de que la exigencia vocal que se exige en la ópera se convierte en exigencia física en el caso del ballet. Pero me fascina la capacidad de un cuerpo de baile para narrar historias sin palabras, sino a través del movimiento y la expresión. Toda una forma de arte que, por si fuera poco, atrae –al menos en el caso de Sevilla, la ciudad donde vivo– a muchas familias al completo, que llenan el teatro totalmente trayendo consigo a los más pequeños de la familia.

Este año el título que nos ha ofrecido el Maestranza ha sido Giselle, de Adam (yo acudí ayer a la última representación), y la ROSS ha respondido magníficamente bajo la batuta de Fahrads Stade. La historia de la campesina engañada que, después de muerta, redime en espíritu a su amante traidor ha sido narrada por el Ballet Nacional de Letonia, dirigido por Aivars Leimanis. Visualmente, la propuesta es clásica, aunque menos majestuosa que las que hemos visto estos últimos años en Sevilla. Claro que hay también que tener en cuenta que los dos actos de los que se compone Giselle no transcurren en palacios ni en lugares fastuosos. El primer acto resultó colorido, y la entrada de los campesinos funcionó realmente muy bien. Margarita Demjanoka, nuestra Giselle, elaboró un personaje cálido y aniñado en sus gestos, y resolvió con bastante brillantez en mi opinión la escena de la locura –siempre pienso en “Lucia di Lammermoor” cuando hablo de “escena de la locura”–. Hasta el momento en el que cayó desplomada, me recordó a un pájaro de esos que se cuelan por las ventanas de un edificio y vuelan desorientados de un lugar a otro buscando una salida desesperadamente.

El segundo acto resultó menos atractivo visualmente, lo cual es lógico teniendo en cuenta que transcurre en un cementerio. Sin embargo, para mí fue mucho más rico en lo que a la danza se refiere. Las fantasmales “Willis” resultaron siempre estupendas y crearon momentos de enorme belleza visual. Recuerdo ahora mismo, por ejemplo, la forma de desplazarse el cuerpo de baile hacia los flancos del escenario apoyando todo el peso del cuerpo en una pierna mientras la otra permanece levantada en paralelo al suelo. La frenética danza de estos espíritus alrededor del conde Albrecht (Segejs Neikšins) resultó igualmente espectacular, así como la presencia protectora de nuestra Giselle.

En suma, otra noche de ballet en el Maestranza para recordar. Cuando las cosas funcionan tan bien, es lógico desear que hubiese varios espectáculos de este tipo por temporada, pero con la crisis me doy más que por contento con el simple hecho de que en Sevilla se siga apostando por el ballet clásico.

Fotografías: http://julio-rodriguez.blogspot.com.es/

Sobre un “Cascanueces” sobre hielo

Quien lea este blog sabrá que hace varios años me aficioné al ballet. Pues bien, el pasado viernes 28 sucumbí a algo nuevo: el patinaje sobre hielo. Estos días se está representando “El cascanueces” se Tchaikovsky sobre hielo en el Teatro de la Maestranza, y aunque a priori no pensaba ir, al final terminé picando. No me atraía de antemano la idea de asistir a un espectáculo con música enlatada, más aún cuando no hace mucho –creo que correría el año 2009– pudo verse un precioso Cascanueces en Sevilla en versión ballet, que es como hay que verlo, escucharlo y vivirlo en Navidad. Pero el caso es que el viernes por la mañana entré por pura curiosidad en la web del Maestranza y advertí que quedaba un elevadísimo número de localidades por vender (como seiscientas a medio día, si no recuerdo mal), de modo que saqué un par de ellas y acudí con mi madre a la función de las 21’00.

El espectáculo corre a cargo de The Imperial Ice Stars. No tengo yo muy claro de a qué imperio pertenecen exactamente. Viste mucho eso de llamarse “imperial”. Esta compañía representó el pasado año con éxito "El lago de los cisnes" en el Teatro Lope de Vega, y ahora el Maestranza les ha dado acogida para “El cascanueces”, convirtiendo su escenario en una pista de hielo. Como era de esperar, el público, integrado en gran medida por familias al completo que llevaban a sus pequeños, respondió encantado. Pero era un público muy escaso. Ignoro cómo habrá ido la venta de entradas para el resto de las funciones, pero la noche del viernes el teatro no estaba lleno ni siquiera a la mitad. El patio de butacas, y sobre todo las terrazas laterales tenían un aspecto realmente desangelado.

En cuanto al espectáculo en sí mismo, no resulta ni mucho menos tan fastuoso visualmente en materia de vestuario y decorados como las preciosas funciones de ballet con las que el Maestranza nos mima a los sevillanos, pero la función en su conjunto resulta atractiva y gustará sobre todo a los más pequeños de la familia. Todo el equipo de patinaje hace un gran trabajo, aunque hay algo que motivó mi ira irrefrenable. Por algún lado leí –quizá en la edición digital de algún periódico, no lo recuerdo bien– que la compañía no trabaja con música en directo porque los movimientos de los patinadores están tan estudiados que se hace necesario recurrir a la música grabada. Pues mire usted por dónde, no. Y digo bien: no es verdad. Eso es un cuento chino. La verdadera razón por la que la compañía utiliza grabaciones no es ni artística ni presupuestaria, sino algo mucho más cuestionable: la grabación utilizada contiene una versión muy manipulada de la genial obra de Tchaikovsky, con continuas mutilaciones, saltos y algún falso da capo que irritarán a los amantes de la obra musical. Aunque se me pueda acusar de excesivamente purista, esta concepción del espectáculo me parece muy desacertada. El trabajo de una compañía de baile, o en nuestro caso de patinaje, es dar vida a través del movimiento a la música. Pero si alteramos a esta última para adaptarla a lo visual ya no estaremos asistiendo al Cascanueces, sino a un espectáculo a propósito del Cascanueces.

Una tarde agradable, en cualquier caso, aunque no tenga interés musical. Los más pequeños disfrutarán.

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Un cuento hindú

Al igual que el año pasado, la primera entrada del blog del presente año 2012 está dedicada al espectáculo de ballet clásico que cada año nos ofrece a los sevillanos el Teatro de la Maestranza. Si las temporadas anteriores apostaron, con gran éxito, por los célebres títulos de Tchaikovsky, el presente año hemos podido disfrutar de una obra de fuerte componente exótico, como es La Bayadère de Ludwig A. Minkus, con los arreglos de John Lanchbery, todo ello a cargo del Ballet de la Ópera de Varsovia (Ballet Nacional de Polonia) y de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, bajo la dirección de Tadeusz Wojciechowski.

Como cada año, el espectáculo ha sido mucho más que disfrutable. Yo asistí anoche, y aunque disfruté más de los años anteriores, he de decir que tanto la obra en sí misma como la encantadora y clásica coreografía de Natalia Makarova –a partir de la de Marius Petipa– van siempre a más, con una excepcional presentación del onírico acto segundo y un tercero muy colorista y espectacular, con un uso inteligente de la iluminación, especialmente en el final. Fabuloso el cuerpo de baile, así como el desdichado Solor, a cargo de un espléndido Maksim Woitiul, que se mostró en todo momento atlético, ágil, vigoroso y adecuadamente masculino. De infinita delicadeza fue la Nikija de Aleksandra Liashenko, cuya rubia trenza dista mucho de hacerla parecer una bailarina hindú. Impecable también en este sentido la “mala” Gamzatti de Yuka Ebihara, adecuadamente contenida en el gesto para no caer en la exageración y debidamente sinuosa en sus escenas con Solor. Tanto ellos como el resto del reparto mostraron un nivel excepcional, a mi entender. Sergey Basalaev se fue un Brahmin imponente y mayestático, al tiempo que Vladimir Yaroshenko dio una lección de atletismo y agilidad en su papel de Ídolo de Oro, que justificó sobradamente una merecida ovación del público. El resto del elenco lo integraron un adecuado Adam Kozal (el Rajá), Jacek Tyski (Magdawieja), Anita Kuskowska (Aija) y Michal Chróścielewski (amigo de Solor). Los decorados son efectivos aun sin ser tan elaborados como los de los últimos ballets vistos en el Maestranza. El vestuario, en cambio, resultó tan impecable como nuestra esplendorosa ROSS, que volvió a vivir otra noche de gloria.

En suma, una noche de ensueño en la que pude comprobar, un año más, cómo el ballet clásico sigue arrastrando a muchas familias al teatro con sus hijos pequeños, que dicho sea de paso, saben comportarse mejor que muchos mayores. Y ello a pesar del hecho de que una obra como esta requiere al menos de una lectura previa de su argumento para su adecuado seguimiento. Sin ir más lejos, una señora sentada a mi espalda murmuró algo acerca del pobre Solor que evidenciaba que no había captado que el segundo acto es una ensoñación del personaje, al que casi acusaba de infidelidad, como si no tuviera suficientes desgracias el pobre.

Lástima que desear más espectáculos de ballet clásico por temporada sea hoy por hoy una quimera.

Cuento de hadas

Por fin llegó el ballet de todos los años. En este caso, la oferta de ballet clásico de la presente temporada del Teatro de la Maestranza de Sevilla nos ha traído al Bayerisches Staatsballett, esto es, al Ballet de la Ópera de Munich nada menos que con “La bella durmiente” de Tchaikovsky con la encantadora coreografía de Ivan Liška. Como ya escribí el año pasado a propósito de “La Cenicienta”, cada vez disfruto más el ballet, un mundo por completo inexistente para mí hace tan sólo cuatro años. Asistí a la última función (la de ayer, día 15 de enero) y cuando todo son parabienes es innecesario escribir demasiado. Adoro la sucesión de movimientos imposibles, la permanente sensación de ingravidez, la mezcla de colores y el movimiento rítmico y matemáticamente acompasado con una música que nunca baja de lo sublime, interpretada también de la misma manera por nuestra ROSS. La ambientación de esta “Bella durmiente” ha sido de cuento de hadas, con un variadísimo vestuario merecedor de la matrícula de honor. Lo mejor, la presencia de la extraordinaria y elegantísima Lucia Lacarra en el papel protagonista y la extraordinaria Hada de las Lilas de Séverine Ferrolier. A destacar también el atlético príncipe de Marlon Dino, la teatral bruja travestida de Peter Jolesh y entre los personajes más secundarios, el agilísimo Pulgarcito de Ilia Sarkisov. Simpatiquísima y encantadora la presencia en escena de los niños del Conservatorio Superior de Danza y sublime la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, dirigida en esta ocasión por el norteamericano Myron Romanul.

El lleno del teatro, los atronadores aplausos a cada momento y no digamos ya al final, así como la gran presencia de público infantil, los más educados siempre porque quedan absorbidos por la función y no hacen el menor ruido, obligan a pensar que los sevillanos responden sobradamente bien a este tipo de espectáculos. Queremos más.

Fotografías de http://julio-rodriguez.blogspot.com/

Zapatillas de cristal

Hace tres años que “El lago de los cisnes” consiguió engancharme al ballet. Después del maravilloso “Cascanueces” (adaptado a “Cuento de Navidad” de Dickens) de la pasada temporada, pensé que el Teatro de la Maestranza optaría este año por cerrar el círculo de Tchaikowsky presentando “La bella durmiente”. En lugar de esto, la gran apuesta de ballet clásico para esta temporada ha sido “La Cenicienta” de Sergei Prokofiev.

Aunque no venga al caso, mi historia con el ballet es curiosa. Asistí aquél año al “Lago” por ser uno de esos títulos emblemáticos que hay que ver alguna vez en la vida y porque algo de danza había que poner en mi solicitud de abono mixto. A mi favor jugaba el conocer de antemano buena parte de la música, y en mi contra el absurdo cliché de que el ballet “no es cosa de hombres”. Bien, solo necesité sentarme, escuchar y abrir los ojos para entrar en un éxtasis que desde entonces se ha repetido cada año y que no pienso interrumpir de ninguna manera. Cuando acudo a la ópera suelo estar, además de en el séptimo cielo, pendiente de todos los detalles que soy capaz de captar, mientras que el efecto que el ballet produce en mí es el de dejarme paralizado en el asiento, embobado, extasiado (esa es la palabra justa) ante el espectáculo que se ofrece a mis ojos.

Este año, decía, ha sido “La Cenicienta”. No conocía la obra, pero la he disfrutado enormemente. La labor aquí de la Orquesta de Extremadura en una pieza de evidente complejidad es digna de elogio. Así lo entendió el público sevillano, que ofreció a la orquesta y a su director el más sonoro aplauso de la noche, junto con el de la principesca pareja protagonista. Y es que lo del English National Ballet, que celebra justo ahora su sesenta aniversario, es para quitarse el sombrero. No puedo permitirme jugar aquí a ser crítico, ni falta que hace, pues mis conocimientos de ballet son casi nulos. Baste decir lo mucho, lo muchísimo que disfruté con esa preciosa escenografía que situaba a la luna como protagonista del cuento (luna que acabaría convertida en sol y que se transformaría también en el reloj que anuncia la medianoche), con las maléficas y muy cómicas hermanastras (divertidísimo su penoso baile en palacio), la ensoñadora presencia del hada madrina, el apuesto príncipe enamorado, y sobre todo, sobre todo, la simplemente maravillosa Cenicienta de Erina Takahashi. Ni Madrid-Barça ni porras. Nada de lo que yo escriba puede ayudar a nadie a acercarse al espectáculo tal cual. Hay que verlo y oírlo.

Una de las constantes de este tipo de espectáculo es la notable presencia infantil entre el público. Me parece precioso que una familia eduque a sus hijos disfrutando en lugar de delegar en una película o cosas por el estilo. Además, el público infantil es mucho más educado que el adulto, que perseveró anoche en sus molestos ruidos. A mi lado, en cambio, tenía a un niño pequeño que casi no pestañeó en toda la noche.

A las doce en casa.