jueves, 31 de octubre de 2013

Don Carlo (Santini, 1962)

Gabriele Santini (dir.); Flaviano Labò (Don Carlo); Antonietta Stella (Elisabetta di Valois); Boris Christoff (Filippo II); Ettore Bastianini (Rodrigo); Fiorenza Cosotto (Principessa Eboli); Ivo Vinco (Il Grande Inquisitore); Aurora Cattelani (Tebaldo). Coro e Ochestra del Teatro alla Scala. DEUTSCHE GRAMMOPHON 3 CD.

Resulta curioso que este notable Don Carlo de Gabriele Santini no haya tenido hasta la fecha una distribución discográfica acorde a su nivel de calidad. Sus ediciones en cedé pueden contarse con los dedos de una mano, y la última reedición que conozco no era adquirible por separado, sino como parte integrante de un estuche titulado “Verdi: Great Operas from la Scala”. Tratándose de una grabación de estudio con una estupenda calidad de sonido y un reparto de interés, es de desear que el sello amarillo sepa enmendar en el futuro este vacío y darle salida en el mercado como merece.

Santini opta en esta grabación por la versión italiana de la ópera en cinco actos, y cuenta para ella con un protagonista que sin ser hoy todo lo recordado que debería, arrasaría sin duda en los escenarios contemporáneos como indiscutible estrella. Me refiero a Flaviano Labò, señor de una bellísima voz de centro sedoso que recuerda en no poco a Domingo. O mejor deberíamos decir aquí que Domingo recuerda a veces a Labò, dada la fecha de la grabación. El suyo es un Don Carlo sensible y atormentado cuando hace falta y con una voz idónea que se complementa bien con la de Antonietta Stella, nuestra Elisabetta, que precisamente es de esas otras “grandes” que por alguna razón permanecen en la sombra, como en un lugar marginal respecto de otras figuras de la ópera con las que tuvieron que competir en un mismo marco temporal. Stella ha sido una gran verdiana y una soprano de enorme elegancia y estilo. La única pega, por poner alguna, sería quizá una cierta falta de implicación, un toque de “frialdad” que, en realidad, si soy plenamente sincero, no es más que una apreciación subjetiva de quien escribe.

Boris Christoff es un cantante considerado como emblemático en el papel de Filippo. Ha habido voces de bajo más bellas abordando el papel (para mi, Ghiaurov) y también puede resultar algo nasal por momentos e incluso no del todo matizado –claramente puede ahondarse más en materia de claroscuros–, pero poca duda cabe de que el suyo es un Filippo imponente, de fuerte personalidad. Ettore Bastianini defiende muy en su línea el papel de Rodrigo: la voz es atractiva y canta francamente bien, aunque resulta algo monocorde. No lo definiría como tosquedad, sino nuevamente como falta de medias voces, algo que limita obviamente las capacidades expresivas del intérprete. Esto es recurrente en Bastianini y no estamos aquí ante una excepción, aunque repito que el balance general me parece positivo.

Por último, Fiorenza Cosotto dibuja a una Eboli de nivel astronómico. Claramente está entre lo mejor de la discografía en el papel y su sola presencia sería ya motivo suficiente para interesarse por esta versión. Su marido Ivo Vinco es un rotundo inquisidor. Siempre he pensado que fue un estupendo bajo algo minusvalorado, y su escena con Filippo, verdadera prueba de fuego para los dos bajos y punto sin duda de interés de toda grabación, es quizá de lo mejor de este registro.

Merece la pena acordarse de este Don Carlo.

viernes, 25 de octubre de 2013

Madama Butterfly (Oren, 2004) – DVD

Daniel Oren (dir.); Fiorenza Cedolins (Cio-Cio-San); Marcello Giordani (Pinkerton); Francesca Franci (Suzuki); Juan Pons (Sharpless); Carlo Bosi (Goro); Alessandro Battiato (Yamadori); Carlo Striuli (Bonzo), Mina Blum (Kate). Coro y Orquesta de la Arena de Verona. ARTHAUS.

El pasado mes de julio recomendaba en este blog el notable DVD de Madama Butterfly registrado en la Arena de Verona con Raina Kabaivanska en 1983 (véase aquí). Hoy volvemos nuevamente al mismo enclave operístico con una filmación registrada más de veinte años después, y que al igual que aquella, resulta de interés para el melómano.

En esta ocasión contamos con la producción escénica de Franco Zeffirelli, lo cual se traduce, obviamente, en un montaje clásico con una cierta tendencia a buscar impactar al espectador por medio de lo ampuloso y lo muchas veces recargado. El problema, lógicamente, está en que Butterfly es, a fin de cuentas, un drama intimista y familiar que no se presta precisamente a lo espectacular, y más bien exige tanto por la historia como por la música de un cierto recogimiento. ¿Lo consigue Zeffirelli? A mi modo de verlo, solo a medias, pues el aclamado director escénico no logra ser capaz de renunciar a sí mismo en el primer acto. Veámoslo con detalle.

Cuando se abre el telón por primera vez debemos situarnos en el interior de una casa japonesa recién comprada por Pinkerton en la cima de una colina próxima al puerto de Nagasaki. Tan solo es necesaria la presencia de este último junto con la del casamentero y tres criados –entre ellos Suzuki– pues es obvio que no resulta oportuno introducir a más gente de la necesaria en el interior de una vivienda. Como se ve, parece que la propia escena exige a Zeffirelli que renuncie a su gusto de inundar el escenario de personas, pero él consigue hacerlo sacándose una carta de debajo de la manga: lo que vemos no es el interior de la casa, sino su exterior, y Pinkerton dialoga sobre ella con Goro llevando un plano en la mano. De ese modo, el director consigue justificar la presencia en el escenario de mucha gente paseándose que por mucho que produzca un resultado espectacular no deja de ser también innecesaria.

Otro tanto ocurre con la entrada de Butterfly en el primer acto (“Ancora un passo...”). Aquí, concretamente, Zeffirelli busca obtener un resultado de belleza visual aun a costa de despegarse de la lógica y del libreto. No se nos presenta la procesión de familiares de la novia ascendiendo hasta la casa, sino un baile de los parientes. Lo que vemos no encaja, pues, con lo que oímos –las quejas de los familiares de Cio-Cio-San por su lentitud subiendo la colina y las palabras de ésta, a un tiempo cansada e ilusionada– y escapa de la lógica el que ese grupo de familiares se pongan a bailar delante de Pinkerton y Sharpless como si de una atracción turística exótica se tratase. A decir verdad, es obvio que Zeffirelli ilustra de este modo esta escena por el hecho de que la acción se sitúa en Japón, lo cual no deja de ser un cliché semejante al de aprovechar cualquier escena de una ópera ambientada en España para poner a los personajes a bailar flamenco.

Sin embargo, siempre he sido honesto con mis opiniones en el blog y pienso seguir siéndolo: la entrada de Butterfly, por ilógico que sea su planteamiento por parte de Zeffirelli, es muy bella en este DVD, del mismo modo que el resto de la producción, que en mi opinión gana a partir del segundo acto precisamente porque el intimismo se convierte ya aquí en un factor inexcusable al que ni siquiera el excesivo Zeffirelli puede renunciar.

Hay un último aspecto que quiero comentar a propósito de la puesta en escena. Algo que, en mi opinión, es una idea no del todo bien desarrollada por parte del director escénico. Durante el coro a bocca chiusa aparecen en escena unas bailarinas maquilladas con el aspecto cadavérico propio de una película de Tim Burton, a las que se vuelve a ver en la escena del suicidio de Butterfly. Es obvio que se trata de un elemento simbólico –probablemente la tragedia, la fatalidad de la protagonista– pero que choca, puesto que se trata de algo aislado en un montaje despojado el resto del tiempo de ese tipo de alegorías. Si viésemos en esta producción más componentes de este tipo el resultado sería más asimilable, pero la presencia aislada de este “símbolo” trágico se hace extraña, del mismo modo que ocurría con la escena del bonzo en la hermosa película de Mitterrand (ver aquí). Quizá la solución más interesante hubiese sido la de utilizar también a esas siniestras figurantes en otros momentos dramáticos determinantes de la historia (por ejemplo, la propia escena del bonzo o el choque entre Butterfly y Sharpless tras la lectura de la carta...) de modo que el espectador se familiarizase un poco más con ellas.

El montaje, por tanto, me despierta bastantes reflexiones: excesivo en el primer acto y más adecuado después, bello incluso en lo injustificado y con algún elemento poco madurado. Como siempre me ocurre con Zeffirelli, me gusta, aunque a nivel racional no puedo evitar pensar que no todo está libre de objeciones.

Pasemos al reparto, encabezado por una muy notable Fiorenza Cedolins en el papel principal. Su voz es claramente adecuada para el papel y muestra obviamente un buen dominio del lenguaje pucciniano, creando a una Butterfly esencialmente adulta, aunque no a la manera tan marcada de una Tebaldi. Sí se podría, por tanto, explotar un poco mejor la faceta cándida e infantil que el personaje debe exhibir, sobre todo en el primer acto, aunque en general se le pueden poner pocos peros al loable trabajo de Cedolins. Hace gala de alguna idea curiosa, como por ejemplo la ocurrencia de tartamudear en el “Sono seccato del coniugato”, dotándolo de mayor ridiculez e ironía. ¿Alguna posible objeción? En el “Ancora un passo” decide ser valiente y emite el agudo final potestativo, aunque le queda algo tirante y justo. La voz, con todo, le responde y el público prorrumpe en un gran aplauso.

Del Pinkerton de Marcello Giordani hay que decir que resulta aquí con mucho preferible al más discutible que grabó después con Summers en DVD y que comentamos aquí. El timbre suena más redondo y menos desgastado y consigue hacer una interpretación notable. Otro tanto puede decirse del resto de los secundarios importantes, como es el caso de la bien resuelta Suzuki de Francesca Franci y del espléndido Sharpless de Juan Pons, que ya había defendido bien el papel más de una década atrás a las órdenes de Sinopoli (véase esto). Carlo Bosi tiene, por su parte, una voz lírica apropiada para el casamentero, aunque su presencia escénica se ve afectada por un deplorable vestuario que durante el primer acto le hace parecer algo parecido a un payaso sin ninguna razón justificativa.


El resto de los secundarios son ya más modestos: Alessandro Battiato es un Yamadori cumplidor, y Carlo Striuli canta el Bonzo con una poderosa voz, llegando incluso a sonar tal vez demasiado brusco. Horrendos por completo el comisario imperial (Angelo Nardinocchi) y Kate (Mina Blum).

La dirección de Daniel Oren es bastante convencional y consigue algún momento muy bien logrado de tensión, como por ejemplo, el enfrentamiento dialéctico entre Pinkerton y Sharpless del primer acto. Los metales suenan demasiado estridentes a veces (final del primer acto, primera aparición del hijo de Butterfly...) y no se comprende el absurdo silencio que introduce Oren tras el “Ei torna e m’ama”. También falta, como en tantas grabaciones ya vistas este año, parte del coro de familiares de Butterfly previo a la boda (“Ne vidi già”).


La filmación ofrece una espléndida calidad visual, y del montaje final sólo me parece criticable lo cursi del “sueño” de Butterfly, en el que se reaprovechan secuencias ya vistas como flashback edulcorado.

Buena versión.



domingo, 20 de octubre de 2013

Don Giovanni (Muti, 1987) – DVD

Riccardo Muti (dir.); Thomas Allen (Don Giovanni); Claudio Desderi (Leporello); Edita Gruberova (Donna Anna); Francisco Araiza (Don Ottavio); Ann Murray (Donna Elvira); Susanne Mentzer (Zerlina); Natale De Carolis (Masetto), Sergej Koptchak (Il Commendatore). Coro y Orquesta del Teatro alla Scala, Milán. OPUS ARTE.

Hace más de tres años que comenté ampliamente el Don Giovanni de Riccardo Muti con Carlos Álvarez en DVD (ver aquí). Hoy voy a escribir sobre otra versión de esta misma ópera, también con Muti, pero anterior. Se trata de la filmación que distribuye el sello Opus Arte procedente de unas representaciones en la Scala del año 1987. Debo decir desde ya, que a la vista de los brillantes nombres que integran el reparto, abordé este DVD con unas expectativas altas que no han terminado de verse satisfechas del todo.

Comenzaré, como siempre hago, con la propuesta escénica de Enzo Frigerio con dirección de Giorgio Streher. Se trata de la típica producción clásica de grandes edificios que se elevan sobre el ya muy visto suelo negro brillante. Todo es clásico, sí, pero eso no significa precisamente que sea destacable. En mi modesta opinión, es un soso montaje bastante falto de ideas dramáticas, que pude hacer que una noche de ópera funcione con eficiencia aunque de forma visualmente algo rancia. Y no ayuda en este punto la estática y antinatural dirección escénica de los cantantes. Da la sensación de que a Streher le falta una auténtica visión de conjunto sobre el modo en el que deben actuar los intérpretes sobre el escenario, de modo que concibe cada escena de forma separada y con criterios independientes. El resultado es decepcionantemente dispar: a veces los cantantes se mueven forzadamente casi a cámara lenta (Là ci darem), otras se opta por la economía de recursos visuales (por ejemplo, no entra en escena el coro infernal que arrastra consigo a Don Giovanni) que se torna en exuberancia en otros números... No parece, en suma, un planteamiento escénico uniforme ni del todo madurado, y todo el apartado visual se limita a cumplir las exigencias mínimas más que otra cosa.

Con todo, la gran frustración de este Don Giovanni milanés está en el reparto. Cuando uno lee los nombres, como decía, se hace ilusiones que se evaporan en cierta medida al visualizar el DVD. Comencemos con Thomas Allen como protagonista. Hay claramente muchas formas de cantar el personaje principal: desde los grandes del pasado que lo abordaban con voces más situadas en la tesitura del bajo que en la de barítono (Siepi o Ghiaurov, mis Don Giovannis favoritos, son buenas muestras) a enfoques más intermedios (Wächter, por ejemplo) hasta llegar a voces más blancas y líricas (Hampson, Gilfry), estas últimas ya más bien vinculadas a la corriente historicista. Corriente en la que, por cierto, un director como Jacobs recurre presentar a un Don Giovanni aniñado (Weisser) por el simple hecho de que Luigi Bassi, el cantante del estreno, contaba entonces con veintidós años, en lo que para mí supone una lamentable confusión entre la utilización de criterios historicistas y una arqueología musical que no deja de ser un puro fraude al oyente en la medida en la que resulta imposible saber el modo en el que cantaba Bassi ni si respondía plenamente al concepto que Mozart tenía de su personaje al escribirlo. ¿Por qué entonces Jacobs, en su grabación de Idomeneo, entrega el papel principal a Richard Croft y no a un anciano cascado, como en el estreno de aquella ópera en Munich?

Lo que quiero decir con esto es que se ha grabado ya a Don Giovanni de todas las maneras, y que por eso mismo, no resulta tarea fácil decir algo nuevo con el personaje. Allen, desde luego, no lo consigue. Se sitúa, por sus propias condiciones vocales, en esa categoría que yo he llamado “intermedia”: la voz es claramente baritonal y carece de la ligereza y el lirismo otros cantantes señalados en la “tercera vía”. El problema es que Allen, un intérprete por el que no siento especial simpatía, dispone de un material vocal discreto ya de por sí al que le viene claramente grande el papel, por mucho que lo grabara varias veces. A partir del “Metà di voi” le empieza a flaquear la voz, y el desgaste se hace ya ostensible en su última escena con la estatua del comendador. Tampoco es muy salvable desde el punto de vista actoral, en el que exhibe una colección de muecas y expresiones antiestéticas más bien poco apropiadas para quien ha de ser un galán.

Claudio Desderi es un cantante que tampoco estuvo dotado de una voz especialmente privilegiada en cuanto belleza, aunque contaba claramente con un punto favorable: su aptitud para el canto de agilidad y la coloratura, requisitos que por otra parte no son los imprescindibles para hacer un buen Leporello. No es Dederi un cantante del que haya escuchado mucho, pero lo cierto es que después de haber oído su a todas luces brillante Dandini con Abbado (véase esto) no deja de ser algo decepcionante verle firmar esta tosca actuación.

El plato fuerte es la Donna Anna de Edita Gruberova, apuesta segura. Ella es quien ofrece una mayor calidad vocal de todo el reparto, incluso sin estar libre de ciertos problemas menores. En el “Or sai chi l’onore” muestra evidentes dificultades en el grave, al que casi no llega, aunque en el segundo acto se redime por completo con un espléndido “Non mi dir”. En cuanto al Don Ottavio, a Francisco Araiza  no le faltan las brusquedades en su primer dúo con Donna Anna, pero siempre fue un tenor de buen gusto y con una bellísima voz lírica, al que quizá no se le ha reconocido con toda la popularidad que merecía. Canta sus dos arias sin el menor problema y sin los signos de desgaste que se entrevén en su entrada en el primer acto.

La Donna Elvira de Ann Murray cumple a buen nivel, aunque quizá –opinión personal– muestre más vibrato del necesario en el “Ah, chi mi dice mai”. No hay problemas con la pareja de campesinos integrada por Susanne Mentzer como Zerlina y por Natale De Carolis como un Masetto que en esta producción no aparece concebido como el clásico paleto, sino como un hombre incluso de cierta elegancia. También es aduecuado el Commendatore de Sergej Koptchak.

Riccardo Muti dirige con su brillantez habitual un Don Giovanni que mira más a lo mediterráneo que a lo germánico, optando por tempi tan rápidos que en poco se distinguen de los propios de una lectura historicista. Es una dirección luminosa, ágil, dotada -¿por qué no decirlo?- de una cierta rusticidad y no falta de pathos dramático, pero también se echa precisamente en falta quizá un punto mayor de oscuridad y patetismo. En cualquier caso, desde el punto de vista orquestal es un trabajo de indudable altura.

En cuanto a prestaciones, una cosa buena y una mala: la cajita incluye el libreto completo en italiano (sin traducciones), lo cual no es habitual en los deuvedés. En cambio, tan sólo hay subtítulos en inglés.

He aquí, por tanto, un Don Giovanni que muestra a las claras cómo el hecho de contar con un reparto brillante no garantiza un resultado necesariamente óptimo. Ningún cantante consigue aquí un retrato verdaderamente convincente al cien por cien de su papel, salvo quizá en los personajes secundarios de Zerlina-Masetto y del comendador, y eso deja un sabor algo agridulce. Aun con sus puntos a favor (claramente destacan Gruberova y las dos arias de Araiza) no deja de ser una versión de la que podría esperarse un poco más, y en el ámbito del DVD se sitúa, al menos para mí, algo por debajo del posterior registro de Muti con Carlos Álvarez, pese a su peculiar puesta en escena.














miércoles, 16 de octubre de 2013

Madama Butterfly (Rivoli, 1968)

Gianfranco Rivoli (dir.); Montserrat Caballé (Cio-Cio-San); Bernabé Martí (Pinkerton); Carmen Rigai (Suzuki); Manuel Ausensi (Sharpless); Diego Monjo (Goro); Juan Rico (Yamadori); José Demar (Bonzo). Orquesta y Coro de la Radiotelevisión Española. OPERA D’ORO 2 CD.

Es una lástima que el único registro completo disponible en el mercado de Montserrat Caballé como Madama Butterfly sea esta grabación de modesta calidad de sonido, distribuida por el sello OPERA D’ORO. Es una interpretación registrada en vivo en Madrid el 12 de junio de 1968, y del mismo modo que Caballé está en ella soberbia, todo lo que no es ella resulta tan correcto como poco brillante. El principal y casi único aliciente para hacerse con esta grabación es, por tanto, la protagonista: una Montserrat Caballé en un espléndido momento vocal que, a pesar del lirismo de su voz, sabe defender con exquisitez a un complicado personaje que requiere de una voz de peso que, sin embargo, suene permanentemente juvenil. Los únicos “peros” que se le pueden poner son algún despiste menor con el texto –dice “chi non sa serbar vita” en lugar de “chi non puo”– y sobre todo el recurso barato a las risitas y llantos innecesarios tan propios de la época en este tipo de repertorio y que hoy resultan, al menos para mí, tan innecesarios como anticuados. Y en el caso del impecable canto de la Caballé, este tipo de “trucos” para conmover al público más allá de lo que lo hace la música resulta especialmente chocante y fuera de lugar: llama bastante la atención cómo, en mitad de un canto limpio y redondo, se llegue al grito (“Taci o t’uccido”). Pero luego viene un conmovedor “Un bel dì vedremo” tras el cual el público prorrumpe en largos aplausos. A destacar también, por curioso, el modo en el que frasea “De tua madre la faccia, che ten resti una traccia” en la escena final, evitando sostener el sonido en la primera sílaba (“de”, “che”) para producir así una sensación de atropello y desasosiego. Una notabilísima interpretación, a pesar de algunas objeciones claramente menores.

Como decía, al margen de Caballé, todos los demás cumplen correctamente, aunque nada más. En cuanto al Pinkerton es Bernabé Martí, esposo, como se sabe, de la diva protagonista, por mucho que su timbre sea el adecuado no resulta demasiado satisfactorio: es un Pinkerton poco matizado y casi monocorde, cantado todo en forte. Carmen Rigai es una adecuada Suzuki, mientras que Manuel Ausensi es un Sharpless de potente voz, aunque algo tosco. Cierto es que en ninguna parte está escrito que el cónsul sea un hombre que deba inspirar simpatía en el público, pero es el único que actúa intentando evitar que Pinkerton haga daño a Butterfly y no acaba de convencer una lectura tan áspera del personaje.

Los secundarios menores cumplen en esta línea. Diego Monjo hace un buen Goro, aunque no exento de cierto amaneramiento innecesario (“Son confusi del grande onore”), mientras que Juan Rico canta un Yamadori de voz más sólida de lo acostumbrado. Sin problemas el Bonzo de José Demar en una de las escenas más notables de la grabación, ya que pocas veces el coro de familiares ha resultado más indignado y amenazante que aquí. Y ya que hablamos del coro, hay que decir que ofrece en general un resultado bastante irregular. En el primer acto, con la citada excepción de la escena del Bonzo, no es desde luego gran cosa, aunque mejora en el segundo y consigue un buen coro a bocca chiusa.

La dirección de Gianfranco Rivoli se mueve en el terreno de lo efectivo, acompañando con eficacia, aunque sin resultar una lectura especialmente interesante o destacada desde el punto de vista orquestal. Cierto es que la calidad sonora no le favorece, pero no lo es menos que en ocasiones los cantantes parecen estar en dificultades siguiendo a la orquesta. El caso más obvio es la escena de la boda ante el comisario imperial, que por poco no acaba en desastre colectivo: el percusionista de la campana (aunque sé que no es exactamente ese instrumento, uds. disculpen) entra a destiempo, y otro tanto hace Antonio Leval (el comisario) mientras la orquesta sigue por su lado. Al final la cosa se recompone sin que el problema pase a mayores, afortunadamente.

Por lo demás, Rivoli omite, como en otras grabaciones ya comentadas, parte del coro de familiares previo a la boda del primer acto (“Ne vidi già”) y falta el “pío pío” de la sección final del “sueño” de Butterfly.

Pese a ser una grabación de una representación del vivo, no hay demasiados ruidos escénicos, aunque justo antes del coro a bocca chiusa se escucha cómo cae algo con estrépito. A decir verdad, lo único realmente negativo del hecho de que no sea un estudio está en la modesta pero aceptable calidad sonora y en la ausencia de los dos primeros acordes del “sueño”, mutilados en la grabación.

¿Merece la pena? En mi opinión, por la Caballé.

jueves, 10 de octubre de 2013

¡Esultate! Bicentenario de Verdi

Hoy se cumplen doscientos años del nacimiento del genio de Busseto. Día de fiesta para todos los amantes de la ópera.

Dejo esta versión, registrada en vivo, del “Esultate” de Otello con el gran Mario del Monaco, mítico intérprete. Si se quiere, un cantante a veces tosco, pero con un cañón de voz como pocas veces, quizá ninguna, se haya visto en su cuerda. ¡Veinte segundos cantando a pleno pulmón –del 0’45 al 1’05– sin detenerse a respirar! Y también una perfecta definición de squillo.

martes, 1 de octubre de 2013

Primer concierto de la temporada de la OBS

Unas breves palabras para referirme al buen concierto del curso 2013-14 de la Orquesta Barroca de Sevilla con Andoni Mercero al frente el pasado día 29 de septiembre en el Teatro Alameda. La respuesta del público fue bastante notable y la amplia sala estuvo prácticamente llena a pesar de que los doce euros de la entrada no son un precio barato para los tiempos que corren. Si el público que acude al cine está disminuyendo hoy por hoy, no deja de ser un motivo de satisfacción el que la gente pueda responder tan bien a un acto cultural de este tipo.

El programa reunía la Ouverture VI en Sol menor del Erlebach –la obra más “austera”, si se quiere, del programa– el espléndido Concerto grosso op.6 nº11, HWV 329 handeliano, y para terminar, la Overture en Fa M. TWV 55 F3 de Telemann. Se agradeció, tras el descanso, la programación de esta última obra, que requiere de la adición de instrumentos de viento a la orquesta, dándole un cromatismo sonoro más diferenciado que el oído hasta entonces. Sólo las trompas hicieron de las suyas en algún momento, aunque los aficionados como yo a la utilización de instrumentos históricos estamos resignados a que estas cosas pueden pasar con los metales. Como propina final, la célebre Hornpipe de la Música acuática de Handel.

Buen concierto de apertura para una orquesta cuyo arraigo en la ciudad se hace cada vez más palpable. Se impone un regreso al Maestranza.

Suites y conciertos alemanes para orquesta

Programa

Philipp Heinrich Erlebach (1657-1714), Ouverture VI en Sol m. para cuerdas y b.c.
Ouverture – Air Entrée – Air Gavotte – Air Menuet – Air Trio – Air La plainte – Air Entrée – Air Gigue – Chaconne

Georg Friedrich Haendel (1685-1759), Concerto Grosso Op. 6 nº 11 en La M. HWV 329 para cuerdas y b.c.
Andante larghetto e staccato – Allegro – Largo e staccato – Andante – Allegro

Georg Philipp Telemann (1681-1767), Overture en Fa M. TWV 55 F3 para 2 trompas, 2 oboes, fagot, cuerdas y b.c.
Ouverture – Rondeau – Sarabande. Douce – Menuet avec le Trio – La Badinerie – Gigue – Réjouissance avec le Trio – Fanfare

Plantilla
Violines I: Andoni Mercero (concertino), Oriol Algueró, Valentín Sánchez, Antonio Almela
Violines II: Leo Rossi, Miguel Romero, Ignacio Ábalos
Violas: María de Gracia Ramírez, Pablo Almazán, Marcial Moreiras
Violonchelo: Mercedes Ruiz
Contrabajo: Ventura Rico
Clave: Alejandro Casal
Oboes: Pedro Castro, Jacobo Díaz
Trompas: Rafa Mira, Luis Delgado
Fagot: Luis Castillo

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