martes, 6 de noviembre de 2012

Lotte Reiniger: Mozart en dibujos animados

Hace poco descubrí a Lotte Reiniger, y con ella a un viejo género de cine animado que resulta totalmente novedoso para mí: las películas con siluetas. Hasta ahora, lo más parecido que había visto a la utilización de este efecto en la ópera era esta fabulosa secuencia de la memorable Cenicienta de Jean-Pierre Ponnelle, que comenté ampliamente aquí.



Reiniger, que realizó sus películas durante la friolera de sesenta años (de 1919 a 1979), se hizo experta desde su juventud en el dibujo de siluetas, tan al gusto del siglo XVIII, y algunas de ellas están relacionadas con el mundo de la ópera.

Aquí, por ejemplo, tenemos a Cherubino entonando el Voi che sapete en el segundo acto de Las bodas de Fígaro.

... y aquí están Tamino y Papageno recibiendo sus instrumentos mágicos de manos de las Tres Damas en La flauta mágica.

Papageno y Papagena.

Huelga decir que el tipo de cine animado que Reiniger podía realizar era intencionadamente teatralizado y que casi escapaba de cualquier tipo de realismo y naturalidad. La factoría Disney, con un planteamiento radicalmente distinto, realizó durante aquellas décadas un buen puñado de obras maestras del cine animado como Blancanieves o Fantasía, y este modelo clásico del dibujo animado a color y con diálogos sólo ha cambiado –y no tan profundamente como muchos podrían pensar– en los últimos años de la mano de la animación digital. Por eso, ver estas antiguas películas de Reiniger es una experiencia interesante, por cuanto ayudan a romper el esquema arquetípico que todos tenemos de este tipo de películas. La experiencia es cuanto menos curiosa.

Existen dos películas de Reiniger relacionadas con Mozart: “Diez minutos con Mozart” (Zehn Minuten Mozart, 1930) y “Papageno” (1935).

Comencemos con la primera de ellas. El argumento de “Diez minutos con Mozart” es de lo más sencillo: un tipo se infiltra en una fiesta de disfraces a la que no ha sido invitado. Por otro lado, una chica se retira del baile, hastiada. La pareja se encuentra, se enamoran y bailan en compañía del resto de los invitados. Para acompañarlo musicalmente, Reiniger utiliza los tres primeros movimientos de la Eine kleine Nachtmusik, K.525, invirtiendo el orden de los movimientos segundo y tercero. Luego se pasa al dúo Il cor vi dono del Così fan tutte (cantado aquí en alemán), y por último al Menuetto del Divertimento, K.334.



Cuando Reiniger realizó “Papageno” su situación personal había cambiado dramáticamente. Hacía tres años que Hitler se había convertido en canciller de Alemania, y sus divergencias con el régimen nazi la habían llevado a autoexiliarse pese a no estar amenazada de ningún tipo de persecución. Junto a su marido, pasó los años que median entre 1933 y 1939 de un país a otro, y su imposibilidad de establecerse definitivamente en ninguno de ellos motivará, muy a pesar de Reiniger, su regreso a Alemania, justo a tiempo para vivir en carne propia cómo su patria se ensañaba en su propia destrucción y en la del resto del mundo.

Pero estas tribulaciones personales no se dejan ver en “Papageno”. En esta filmación se nos cuenta la historia del pajarero de La flauta mágica de manera un poco sui generis, prescindiendo de los personajes de Tamino y de Pamina, así como de los de Sarastro y la Reina de la Noche. Eliminando el enfrentamiento de estos dos últimos, esto es, el modo en el que el oscurantismo supersticioso trata de imponerse a la Razón ilustrada, la historia queda reducida a un cuento amable en el que no aparece la iniciación de los personajes en el Templo de la Sabiduría. Papageno entona su Der Vogelfänger bin ich ja mientras atrae a los pájaros con su flauta y los captura. Suena, sólo con la orquesta, el Drei Knaben que cierra la escena primera de la ópera, mientras tres aves –que en realidad son los Tres Muchachos– alimentan a nuestro protagonista. Papageno se siente sólo y entona entonces el Ein Mädchen, mientras en su imaginación ve cómo todos sus pájaros se transforman en jóvenes hermosas. Llega entonces Papagena (¡subida en un avestruz!), pero es rápidamente espantada por la presencia de una gigantesca serpiente. ¿Es la que persigue a Tamino al comienzo de la obra? Precisamente suena el Zu Hilfe. Papageno consigue librarse del bicho asqueroso, pero es incapaz de encontrar ya a la desaparecida Papagena, por lo que asistimos a la escena de su suicidio frustrado, claramente afeada por los espeluznantes berridos de los Tres Muchachos. La cosa acaba igual que en la ópera: Papagena acude finalmente atraída por el sonido de las campanas mágicas y la pareja se reúne felizmente. No sé quién canta el Papageno aquí, pero me gusta. Y por cierto, todos los que amamos La flauta mágica nos hemos preguntado alguna vez si Papageno es un mamífero. La respuesta está en este vídeo.


jueves, 1 de noviembre de 2012

"Thaïs" en Sevilla

Después de una cierta e innecesaria incertidumbre en la venta de entradas (ver aquí), ayer pude finalmente asistir a la Thaïs del Teatro de la Maestranza. Y lo cierto es que para mí ha sido una de las mayores noches de ópera que haya vivido en Sevilla, si no la mayor. Y no me refiero a la composición musical en sí, a mi juicio muy notable, sino al elevadísimo nivel del reparto y de la puesta en escena. Esta Thaïs merece, en suma, un lugar para el recuerdo entre las últimas grandes cosas vistas en Sevilla, junto con la Fanciulla y la Turandot de las pasadas temporadas, o el debut de Mariola Cantarero como Violetta en La Traviata

A nivel escénico, debo decir que sabía a lo que me enfrentaba. La producción de Nicola Raab para la Ópera de Gotemburgo pudo verse el año pasado en Valencia –por cierto, también con Domingo encarnando a Athanaël– y había leído de antemano las detalladas crónicas que los blogueros Maac y Atticus escribieron en su día (aquí y aquí). También había visto las fotografías, siempre maravillosas, de Julio Rodríguez. La acción, en suma, no está ambientada en el Egipto del siglo IV, sino en la misma época en la que la ópera fue estrenada: el universo de la cortesana aparece encarnado por toda una cohorte de payasos, cabareteras y personajes de teatro, mientras que Athanaël parece pertenecer más a una secta radical que a una congregación religiosa al uso. Los decorados y el vestuario son sencillamente prodigiosos, y todos los elementos escénicos que aparecen obedecen a un por qué y distan mucho de ser meros caprichos sin sentido, como el recurso, quizá algo manido, del teatro dentro del teatro o a dibujar unos pechos femeninos con las dunas del desierto que recorren Thaïs y Athanaël, evidenciando así que la travesía de ambos se convierte en un viaje iniciático que lleva a cada personaje a la negación de sí mismo y al surgimiento del yo contrario: tras ese viaje, la cortesana se convierte en ejemplo de pureza y castidad, mientras que el religioso, antaño inflexible, se consume de deseo erótico. La puesta en escena es, en suma, no sólo visualmente bella, sino también inteligente. Y eso no es del todo habitual en los tiempos que corren.

Pasemos al reparto. Dicen que si la soprano Nino Machaidze ha venido a Sevilla se ha debido únicamente a Plácido Domingo. Pues hay que darle las gracias a nuestro universal tenor, porque lo que pudo oírse a Machaidze anoche fue sencillamente extraordinario. La voz es bellísima, uniforme en todo el registro y sin los apuros de una consagrada intérprete de Thaïs como Fleming en el grave en su escena de la conversión con Athanaël. Baste decir que mi referencia en el papel era Fleming hasta anoche, y que Machaidze ha roto el molde para mí. Además tiene la belleza física y las aptitudes teatrales ideales para el personaje. Sencillamente extraordinaria.

Y ahora Plácido Domingo. Al igual que ocurría con la puesta en escena, debo decir que sabía a lo que me enfrentaba. Huelga decir que su voz carece de la oscuridad natural que sería deseable en un Athanaël. La emisión es la de un barítono claramente “atenorado”, aunque esto ya se sabe. De ahí que no entienda ciertos comentarios despectivos que se oyen por ahí. No tiene ningún sentido que haya gente que se abalance sobre las entradas al ver el nombre de Domingo para lamentarse luego de que no hay un barítono con la emisión de un Milnes –algo tosca, no nos engañemos– o de un Hampson, por citar dos ejemplos de cantantes que han grabado el papel. Hay que estar muy ciego para no darse cuenta de antemano de que lo que vamos a ver es a un tenor setentón cantando de barítono, por lo que los decepcionados deben culpar, en mi opinión, más a su ingenua necedad que al propio Domingo. Y no faltan los “antidominguistas” recalcitrantes y los que consideran muy de intelectual el poner a caldo a figuras encumbradas. Servidor ha llegado a leer cosas que, si debo opinar conforme a lo visto y oído ayer, son sandeces como castillos. Con decir que he leído que Domingo no se sabe bien el papel y que no tiene bien preparada la obra es suficiente.

Yo pretendo que mi opinión sea objetiva: Plácido Domingo no me convence en su faceta de barítono ni en una mínima parte de lo que me convence como tenor. Es más, no creo que haya nadie –salvo los admiradores muy admiradores– que sean capaces de poner a la par ambas vertientes. Sin embargo, eso no es óbice para que no tuviese momentos realmente grandes, como su soliloquio sobre Alejandría, ni para que demostrase ser el animal escénico que es, deslumbrando con su presencia, con su carisma y con una voz que pese a lo inseguro en el grave, sigue siendo bella y sedosa, por mucho que no sea la sonoridad que esperamos en un Athanaël. No es la voz idónea para el personaje, no, y sin embargo yo salí encantado de haber tenido la posibilidad de ver en vivo a uno de los más populares representantes de la música culta en el siglo XX. Porque seamos honestos: hay mucha gente que ha acudido a ver a Plácido Domingo más que a Thaïs. Y mientras haya personas capaces de gastar dinero en ver a un artista así con la que está cayendo, y mientras él siga disfrutando de su trabajo, no veo razón para pensar en una retirada. A la vista de la venta de entradas, es indudable que a la gente le interesa verlo, y nadie acude a un teatro obligado a punta de pistola por mucho que pensemos que los días de mayor gloria de Domingo hayan pasado. A estas alturas, él no tiene ya nada que demostrarle a nadie. Lo que sobra en el mundo son políticos y ladrones, no artistas.

Pasemos a los secundarios. Stefano Palatchi fue un Palèmon de voz contundente, aunque totalmente lastrada por un vibrato a todas luces excesivo. El que sí me pareció magnífico fue el espléndido Nicias de Antonio Gandía, así como la pareja Crobyle-Myrtale, encarnada por Micaëla Oeste y Marifé Nogales, respectivamente.

Por otra parte, pocas veces he escuchado mejor al Coro de la Asociación de Amigos del Teatro de la Maestranza, dirigido por Íñigo Sampil, que cerró, por ejemplo, el primer acto en perfección absoluta.

Al frente de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, Pedro Halffter hizo una lectura superlativa de la partitura de Massenet, sin caer en lo excesivamente edulcorado ni tan siquiera en la célebre Meditación, que corrió a cargo del violín de Eric Crambes. Si hay algo que criticar es la omisión de la escena de “la charmeuse”, que privó al público de la última intervención de Crobyle y Myrtale.

En su blog Ya nos queda un día menos, Fernando López Vargas-Machuca –responsable de los Apuntes biográficos de Massenet incluidos en el libreto de anoche– escribe que después de haber asistido a la función de anoche y a las de Valencia del pasado año, se queda con las de Sevilla (click aquí). Yo no puedo hacer esa comparación, pero sí afirmo sin rubor que ayer viví una noche de ópera absolutamente mayúscula.

miércoles, 31 de octubre de 2012

Danielle De Niese en el Festival Plácido Domingo

La presencia estos días de Plácido Domingo en Sevilla no se está limitando a las funciones de Thaïs en el Teatro de la Maestranza. El Festival Plácido Domingo está trayendo a artistas de considerable interés a Sevilla y Málaga. En su día, solicité entradas, por cierto gratuitas, para los conciertos de Pinchas Zukerman y Danielle De Niese en el Salón de los Tapices del Alcázar sevillano. Conseguí las de este último y allí me encaminé ayer por la tarde a disfrutar del recital.

El Alcázar de Sevilla es un edificio que impone de por sí sólo, pero debo decir que ayer por la noche lucía realmente precioso pese al tiempo nuboso, con una acertada iluminación azulada y un sendero de farolillos por el que los espectadores debían transitar. Por si fuera poco, se invitó a todos los presentes a una copa gratis de media hora larga antes del comienzo del recital. Ya en el Salón de los Tapices, en el que había una considerable cantidad de asientos reservados, hizo su entrada Danielle De Niese para ser acompañada al piano por Cameron Stowe. Hace un par de años que no escribo nada en el blog sobre esta soprano, concretamente desde mi entrada dedicada al notable Giulio Cesare de Glyndebourne, pero lo cierto es que mis opiniones se mantienen inmutables. El principal problema que podemos achacar a De Niese no es de técnica, sino de estética. Lo que no siempre es grato en ella son sus medios vocales naturales, o dicho de otro modo, una voz que no siempre es bella por bien trabajada que esté. La primera parte fue para mí mejor que la segunda, ya que estuvo dedicada exclusivamente a arias del siglo XVIII, que es lo que viene siendo hasta ahora el repertorio más afín a esta cantante. Con todo, resultó algo plana en sus arias handelianas, aunque ornamentó con buen gusto, sin resultar discreta ni tampoco caer en el artificio. Se echó en falta un puntito mayor de carácter en el Bella mia fiamma de Mozart, aunque curiosamente sí me gustó bastante en Al desio de chi t’adora (aria alternativa al Deh vieni de Las bodas de Fígaro), en el que un devoto de Fígaro como yo resulta exigente.

La segunda parte fue un popurrí menos uniforme, que comenzó con canciones de Bizet y Les filles de Cadix, siempre socorrida para meterse al público en el bolsillo. Como rossiniana –faceta suya que hasta ayer desconocía– no resolvió de forma especialmente brillante los pasajes de coloratura y tiró en más de una y más de dos ocasiones del portamento. La segunda parte concluyó con el Quel guard il Cavaliere del Don Pasquale, que interpretará en la próxima edición del festival de Glyndebourne. El resultado es tan simpático como vocalmente discreto. El recital terminó con dos canciones de Gershwin a modo de propina. 

Lo que resulta obvio es que a pesar de sus limitaciones, que las tiene, Danielle De Niese es una cantante que tiene cierto encanto, y no me refiero a su belleza física (me sigue repeliendo leer que haya llegado a donde ha llegado sólo por eso). Irradia jovialidad y simpatía, y transmite la sensación de que estás asistiendo a un recital de una amiga tuya de toda la vida, con la que saldrás de fiesta en cuanto acabe. Por cierto, es curioso el modo en el que el público lanza suspiritos cada vez que se canta en un recital el Lascia ch’io pianga o el Babbino.


Al término de la primera parte me acerqué a estrecharle la mano a Plácido Domingo justo cuando se retiraba a descansar (acababa de oírle decir a la Duquesa de Alba que se marchaba porque hoy le tocaba cantar en el Maestranza). Pude fotografiarme con él y me firmó el libreto del Trovatore de Mehta, que tuve la precaución de echarme en el bolsillo al salir de casa. Me comentó que aquella había sido su primera grabación completa de una ópera, cosa que ya sabía, y le respondí diciéndole lo mucho que me gustaba la Azucena de la inconmensurable Fiorenza Cosstto. “No había otra”, fueron sus palabras. Esta es una de las cosas más atractivas de Domingo: su impecable buen trato y disponibilidad, y la humildad de quien es considerado grande por la mayoría. Ayer pude comprobarlo en persona.

En fin, ya puedo decir que he discutido de ópera con Plácido Domingo... Esta noche me toca asistir a Thaïs, así que mañana volverá a haber crónica.

First Half: Baroque and Mozart Arias:

HANDEL: Let the Bright Seraphim
HANDEL: Ombra Mai Fu
HANDEL: Gia Nel Seno
HANDEL: Lascia ch’io pianga
MOZART: Giunse alfin il momento… Al Desio di chi t’adora K.577
MOZART: Bella mia fiamma, addio... Resta, o cara K. 528

Second Half: French songs and Italian Arias:

BIZET: Chanson d’Avril
BIZET: Adieu de l’hotesse arabe
DELIBES: Les Filles de Cadix
ROSSINI: La Promessa
ROSSINI: Di Piacer mi balza il Cor
PUCCINI: O Mio babbino Caro
DONIZETTI: Quel guard il Cavaliere…So anch’io la virtu magica

martes, 23 de octubre de 2012

"Paisajes y recuerdos"

Ayer comenzó por fin a materializarse el primer programa de conciertos de abono de la Orquesta Barroca de Sevilla. Resulta curioso el programa elegido para esta primera actuación en la Sala Joaquín Turina: con el título de “Paisajes y recuerdos”, el contratenor Carlos Mena abordó, con el acompañamiento al piano de Susana García de Salazar, un programa dedicado en su primera parte a canciones de Vaughan Williams (enorme interpretación de Linden sea) y de Liszt, pasando en la segunda mitad a hacer lo propio con compositores vascos olvidados de los siglos XIX y XX. Osea, nada que ver, en principio, con la música barroca, aunque contando, eso sí, con la presencia cuanto menos curiosa de un contratenor en este repertorio.

Tal y como yo lo veo, cualquier prejuicio que pudiera tenerse de antemano sobre la presencia de un contratenor para este programa se demostró como infundado desde el momento mismo en el que Mena abrió la boca con The sky above the roof. La voz es estupenda y estuvo muy por encima del nivel de su última aparición en esa sala, con Il martirio di Santa Teodosia en el Festival de Música Antigua pasado (click aquí). Además, estoy convencido de que la segunda parte de programa fue una novedad absoluta para la inmensa mayoría de la sala, y darnos a conocer esos tesoros –nuestros propios tesoros, como el propio Mena dijo– es un regalo. Buen pistoletazo de salida.

Ralph Vaughan Williams (1872-1958)
 The sky above the roof
Tired
Linden Lea

Three songs from Shakespeare:
Take, O take
When icicles hang by the wall
Orpheus with his lute

Franz Liszt (1811-1886)
Tre sonetti di Petrarca
Pace non trovo
Benedetto sia'l giorno
I' vidi in terra agelici costumi

*****
Fernando Sor (1778-1839)
Mis descuidados ojos (ca. 1812)

Mariano Rodríguez de Ledesma (1779-1847)
El propósito inútil (1810)

Blas de Laserna Nieva (1751-1816)
El Trípili trápala (1780)

Emma Chacón Lasauca (1886-1972)
No llores
Quisiera...
Copla del Albaicín

Jesús Guridi Vidaola (1886-1961)
Danzas viejas
Tamborcillo de Navidad
Zortziko de dolor
La carrasquilla

Andrés Isasi y Linares (1890-1940)
Paisaje
La madre canta
Anhelo
La mona que danza

Francisco Ibañez Irribarria Oyón (*1951)
Os miro antes de irme

Gabriel Erkoreka (*1969)
Azules

Francisco Escudero García de Goizueta (1912-2002)
Ollo eder bat

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